Las películas de terror están apoderando el cine (I)

el lanzamiento de it comes at night

Twitter estuvo lleno de innumerables publicaciones después del lanzamiento en Estados Unidos de It Comes at Night el mes pasado. Los espectadores de la corriente principal entraron esperando un horror absoluto; salieron inseguros de lo que habían visto y no les gustó. A los críticos, y cierta sección de espectadores, les encantó la película, pero su calificación de Cinemascore, determinada por las reacciones de la noche de apertura de los cinéfilos, es una D.

Puedes entender la confusión. El título solo sugiere que It Comes at Night es una película de terror. Al igual que el avance de la película, incluyen un escenario post-apocalíptico, una cabaña en el bosque, máscaras de gas, escopetas, prisioneros, un patriarca severo (Joel Edgerton) y advertencias de que nunca se deben abrir las puertas o salir por la noche.

“No me propuse hacer una película de terror per se “, dice Trey Edward Shults, el escritor y director de 28 años de la película. “Simplemente me propuse hacer algo personal y en eso se convirtió. Puse mis miedos en ello, y si el miedo equivale al horror, sí, es horror. Pero no es una película de terror convencional “.

el terror: el espejo de nuestras frustraciones

Teniendo en cuenta que el horror es el lugar donde exploramos nuestros miedos mortales y sociales, el género es en realidad uno de los espacios más seguros en el cine. Más que cualquier otro género, las películas de terror se rigen por reglas y códigos: los vampiros no tienen reflejos; la “chica final” prevalecerá; las advertencias de la gasolinera asistente / mística nativa americana / vieja escalofriante no se atenderán; el mal finalmente será derrotado, o al menos explicado, pero no de una manera que cierre la posibilidad de una secuela. Las reglas son nuestra linterna a medida que nos aventuramos en lo desconocido. Pero en algunos aspectos, han hecho del horror un reino de lo que Donald Rumsfeld describiría como “incógnitas conocidas”.

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Las películas de terror están apoderando el Cine (II)

No es de extrañar que algunos cineastas empiecen a preguntarse qué sucede cuando apagas la linterna. ¿Qué pasa cuando te desvías más allá de esas convenciones de hierro fundido y te alejas en la oscuridad? Es posible que encuentre algo aún más aterrador. Es posible que encuentre algo que no da miedo en absoluto. Lo que podría estar surgiendo aquí es un nuevo subgénero. Llamémoslo “post-horror”.

post-horror

Para sus admiradores, al menos, It Comes at Night es más temible porque no sabes exactamente de dónde vendrá el horror. Hay un apocalipsis que nivela la civilización y un virus contagioso y un bosque de Blair Witchy, pero la película está más interesada en los horrores internos. Edgerton y su familia forman una nerviosa alianza con otra en una situación similar, y con armas de fuego a mano y confianza en escasez, la amenaza de la violencia nunca está lejos. Hay dolor, culpa, arrepentimiento y paranoia. Hay vínculos familiares, que pasan de ser protectores a constrictivos. El hijo adolescente está plagado de pesadillas. Y luego simplemente está la oscuridad, que los efectos visuales de la película hacen un uso tremendo. Es sorprendente lo inquietante que puede ser simplemente mirar a alguien con una linterna deambulando en la noche negra. Es más fácil identificar que no da miedo.

“Soy consciente de que el título suena como una película de monstruos dope o algo así, pero habla de la película temáticamente, no en el sentido literal”, dice Shults.

Apagó todas las luces en su casa de Texas y deambuló con una linterna para hacerse una idea de la película, confiesa. También investigó los genocidios y los ciclos sociales de violencia. Pero la historia realmente proviene de sus ansiedades personales. Shults habla de su padre distanciado, que tenía un historial de adicciones, y murió poco antes de escribir la película. Confesó su pesar a su hijo en su lecho de muerte.

“La muerte es lo desconocido. No sabemos “, dice,” y eso siempre es aterrador “. Pero luego aún más es arrepentimiento. La forma en que condujo su vida, las decisiones que tomó. Eso me aterroriza todo el tiempo “. Como ex estudiante de una escuela de negocios que abandonó la universidad en contra de los consejos de sus padres para seguir filmando, el miedo a tomar una decisión equivocada estaba claramente presente en Shults. Lo que lo envalentonó para cambiar de carrera fue conseguir un trabajo con el autor local Terrence Malick, trabajando en The Tree of Life. “No sé si él sabe, pero cambió el curso de mi vida”, dice Shults. “Lo que me inspiró es lo poco ortodoxo que puedes ser … solo pensar fuera de la caja y encontrar la manera correcta de hacer una película para ti”.

Los mejores cortometrajes chilenos de 2007 reunidos en un DVD

El DVD número uno de la colección “Enciclopedia del Cortometraje Chileno” reúne seis cortometrajes de destacdos cineastas nacionales, entre los cuales están Sebastián Campos, Alicia Scherson, José Luis Torres Leiva y Cristina Jiménez entre otros.

Este DVD será el primer de una colección que dará origen a la “Enciclopedia del Cortometraje Chileno”, distribuida por Retaguardia Films y Videochile, reúne trabajos de Alicia Scherson, Sebastián Campos, José Luis Torres Leiva, Yael Rosenblut, Ilan Stehberg y Cristián Jiménez. Este volumen uno estará a la venta a partir del 18 de enero en todos los video cluby tendrá un precio de $ 4.990.
El proyecto constituye la primera incursión de Retaguardia Films en la distribución. La meta es catalogar y poner a disposición del público un amplio panorama del cortometraje chileno, creando una verdadera enciclopedia coleccionable del formato. Al explicar el tí­tulo del compilado, los curadores de Retaguardia, señalan que tal como la palabra snob es una abreviación en latí­n que significa “sin tí­tulo nobiliario”, estas pelí­culas no se seleccionaron por los cartones nobiliarios de sus realizadores, sino solamente por el talento, la calidad y el riesgo artí­stico de sus propuestas.

“Son seis cortos atravesados por la nostalgia, la autorreferencia, el interés por las sensaciones, las atmósferas y la historia mí­nima y ligera. Seis cortos arriesgados, diversos y representativos de una nueva forma de hacer cine”, dice Miguel Angel Labarca, productor de Retaguardia Films.

Retaguardia Films anunció que la avant premier de Snob estará acompañada de un concierto de la destacada solista Javiera Mena y “Los Muebles” y culminará con una fiesta. Todo el evento estará abierto al público general, con un valor de la entrada de $2.500, el jueves 18 a la 20 horas en el Cine Arte Alameda.

Los Cortos de Snob:
“XX”

Director: Cristián Jiménez.
Elenco: Nicolás Saavedra – Ingrid Isensee
Poco antes de cumplir 29 años, Julio descubre que desea ser padre antes de legar a los 30. Sin novia a la cual echar mano, decide invitar a salir a Cristina, una mujer de la cual hace años no sabe nada.

Grabado en Santiago el 2005, en Blanco y Negro.
Nominado Premio Pedro Sienna 2006 – Mejor Cortometraje
Premio Revelación Joven – Festival de Cine de Viña del Mar
Premio Cinecourts – Festival de Biarritz
Mención del Jurado de los Exhibidores – Festival de Mannheim-Heidelberg

“Llorando debajo del Agua”

Directora: Alicia Scherson.
Elenco: Anna Ura, Rado Sivak, Sophia Chai
Extraños personajes deambulan por un aeropuerto buscando respuestas en fragmentos de canciones, monólogos solitarios y en la mecánica levedad de los aviones.
Grabado en video en el Aeropuerto de Chicago previo a los atentados de las torres gemelas (ahora serí­a imposible hacer esas grabaciones) por Alicia y un pequeño equipo. Alicia estudiaba artes visuales y el corto se exhibió originalmente en una galerí­a de arte, en dos pantallas que funcionaban simultáneamente, repitiéndose o complementándose.

New York Underground Film Festival 2002 (Selección Oficial)
Chicago Undergroundd Film Festival 2002 (Selección Oficial)
Rotterdam International Film Festival 2003 (Selección Oficial)
Festival de Cortos de Santiago 2003 Primer premio categorí­a experimental

“12 Minutos”

Director: Sebastián Campos.
Elenco: Néstor Cantillana – Pablo Dí­az – Katina Huberman – Antonia Zegers – Paz Bascuñán
En esta autoparodia, a un joven director de cine le encargan realizar “algo audiovisual” sobre el tema del tiempo para el lanzamiento de una marca de relojes. Pero dejar contento al cliente no es tarea fácil.

Realizado por Sebastián luego de filmar “La Sagrada Familia” fue un descanso y un agrado para el director, luego del drama y la dificultad de un proyecto como “La Sagrada…”
“Obreras Saliendo de la Fábrica”.

Director: José Luis Torres Leiva.
Un grupo de obreras textiles quiebra su silenciosa rutina organizando un paseo a la playa.
Corto minimalista que significó el comienzo de la consagración de Jose Luis Torres Leiva como director-promesa: su próximo largometraje ganó el apoyo del World Cinema Found y sus trabajos han sido premiados en numerosos festivales.

“Vernissage”

Directora: Yael Rosenblut.
Elenco: Marí­a José Prieto – Felipe Rí­os – Guillermo Machuca- Justo Pastor Mellado – Gaspar Galaz. Yael inaugura su propia galerí­a exponiendo la obra de un prometedor artista. La ausencia de Justo Pastor Mellado, el curador de la muestra, amenaza con arruinar la velada.

Tal como 12 Minutos es una parodia al mundo del cine, “Vernissage” explora el submundo del arte, las inauguraciones y los curadores, haciendo que los “expertos en arte” se interpreten a ellos mismos, revelando sus rivalidades, intenciones y visiones del escenario artí­stico nacional. La misma directora le pone su nombre a la protagonista, que, tal como ella, lucha por hacerse un nombre en el circuito del arte (apoyándose también en nombres consagrados).
El estreno del corto el 2006 generó una polémica entre los artistas-protagonistas, traspasando a la vida real el conflicto del cortometraje.

“Lobos”

Director: Ilán Stehberg.
Cuatro niños avanzan bajo la lluvia rumbo a la feria fluvial de Valdivia, donde tal vez nunca llegarán a encontrarse.

Corto filmado en Valdivia en el que la ciudad y su feria fluvial son tan protagonistas como los personajes. Ilán Stehberg, el director, así­ como Bruno Bettati, el productor, a pesar de ser santiaguinos de origen, se caracterizan por su amor a la ciudad de Valdivia y su apuesta por convertir a Valdivia en un polo de desarrollo audiovisual.

Un poco de historia

el nacimiento: la década de 1890

La historia de la película comenzó en la década de 1890, cuando las cámaras de cine fueron inventadas y las empresas de producción de películas comenzaron a establecerse. Debido a los límites de la tecnología, las películas de la década de 1890 fueron menores de un minuto y hasta 1927 se produjeron películas sin sonido. La primera década del cine vio la película moviéndose de una novedad a una industria establecida del entretenimiento de masa. Las películas se convirtieron en varios minutos de duración consistente en varios disparos. La primera cámara giratoria para tomar tomas panorámicas fue construida en 1898. Los primeros estudios de la película fueron construidos en 1897. Los efectos especiales fueron introducidos y la continuidad de la película, implicando la acción que se movía de una secuencia a otra, comenzó a ser utilizada.

el siglo xx

En el año 1900, se logró la continuidad de la acción a través de disparos sucesivos y se introdujo el primer primer plano (que algunos reclaman D. W. Griffith inventado). La mayoría de las películas de este período fueron lo que se llamó “películas de persecución”. El primer uso de la animación en películas fue en 1899. La primera película de múltiples largometrajes fue una producción australiana de 1906. El primer teatro permanente exitoso que mostró sólo películas fue “The Nickelodeon” en Pittsburgh en 1905. En 1910, los actores comenzaron a recibir crédito de pantalla para sus papeles y el camino a la creación de estrellas de cine se abrió. Los periódicos regulares fueron exhibidos a partir de 1910 y pronto se convirtió en una manera popular para descubrir las noticias. A partir de 1910, las películas estadounidenses tenían la mayor cuota de mercado en Australia y en todos los países europeos excepto Francia.

Resultado de imagen de cine

En este período se introdujeron nuevas técnicas cinematográficas que incluían el uso de iluminación artificial, efectos de fuego y iluminación discreta (es decir, iluminación en la que la mayor parte del marco es oscura) para mejorar la atmósfera durante escenas siniestras. A medida que las películas crecían, se emplearon escritores especializados para simplificar historias más complejas derivadas de novelas o obras de teatro en una forma que pudiera ser contenida en un carrete y ser más fácil de ser entendida por el público -una audiencia que era nueva en esta forma de contar historias. Los géneros comenzaron a usarse como categorías; la división principal estaba en la comedia y el drama pero estas categorías fueron subdivididas más lejos. Durante la Primera Guerra Mundial hubo una transición compleja para la industria cinematográfica. La exposición de películas cambió de cortos programas de un solo rodillo a largometrajes. Los lugares de exposición se hicieron más grandes y comenzaron a cobrar precios más altos. En 1914, el cine de continuidad era el modo establecido de cine comercial. Una de las técnicas avanzadas de la continuidad implicó una transición exacta y lisa de un tiro a otro.

David Wark Griffith

D. W. Griffith tenía el más alto nivel entre los directores estadounidenses en la industria, debido a la emoción dramática que transmitió al público a través de sus películas. La industria cinematográfica americana, o “Hollywood”, como se estaba conociendo después de su nuevo centro geográfico en Hollywood, un barrio de Los Ángeles, California, ganó la posición que ha tenido, más o menos, desde entonces: la fábrica de cine para el mundo y exportar su producto a la mayoría de los países. En la década de 1920, Estados Unidos alcanzó lo que sigue siendo su era de mayor producción, produciendo un promedio de 800 largometrajes al año, o el 82% del total mundial (Eyman, 1997). A finales de 1927, Warner lanzó The Jazz Singer, con el primer diálogo sincronizado (y cantando) en un largometraje. A finales de 1929, Hollywood era casi todo-talkie, con varios sistemas de sonido de la competencia (pronto para ser estandardizado). Sound salvó el sistema de estudio de Hollywood ante la Gran Depresión (Parkinson, 1995).

GUERRA Y PROPAGANDA

El deseo de propaganda en tiempos de guerra creó un renacimiento en la industria del cine en Gran Bretaña, con dramas de guerra realistas. El comienzo de la participación americana en la Segunda Guerra Mundial también trajo una proliferación de películas como patriotismo y propaganda. El Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara investigó Hollywood a principios de los años cincuenta. Durante los años inmediatos de la posguerra, la industria cinematográfica también fue amenazada por la televisión y la creciente popularidad del medio hizo que algunos cines se declararan en quiebra y se cerraran. La década de 1950 fue una “Edad de Oro” para el cine del mundo no-Inglés.

Roundhay Garden Scene es una película corta de 1888 grabada por el inventor francés Louis Le Prince. Se cree que es la película superviviente más antigua que existe, según lo señalado por el Guinness Book of Records. La película Sortie de la fábrica Lumière de Lyon (1895) del francés Louis Lumière es considerada la “primera película verdadera”